Bauhaus
La Bauhaus fue una escuela de diseño a principios del siglo XX, fundada en 1919 y que funcionó hasta 1933, cuando el partido socialista la cerró, pues estaba en contra de sus manifestaciones artísticas políticas. Esta escuela tuvo influencias de muchas vanguardias, pero las más estrechas y directas fueron el constructivismo y el neoclasicismo, ya que hubo profesores pertenecientes a estas vanguardias. También el dada influyó, pues tenían una mentalidad de juego que el propio fundador nombraba: “El juego será fiesta, la fiesta será trabajo y el trabajo será juego”. La Bauhaus se basó en las primicias de Arts & Crafts para planear su estructura educativa. Esta escuela fue importante, también, por la inclusión de mujeres en la educación, lo que para la época era poco común. La Bauhaus tuvo tres sedes, en Weimar, en Dessau y en Berlín.
La Bauhaus sentó las bases de lo que hoy se conoce como diseño gráfico e industrial y tuvo una fuerte influencia en la escuela de Uhl y de Chicago (los profesores migraron a Chicago en la guerra).
Antecedentes
-La Revolución Rusa y las ideas comunistas, sobre producir arte para el proletariado y no solamente la burguesía.
-Primera Guerra Mundial: proyecto burgués de estudio por si mismo
-Después de la Revolución Industrial el arte salió de los círculos de la burguesía y fue más para el proletariado
-John Ruskin introdujo sus ideas socio-románticas: el arte debía ser para todos
-Se empezaron a superar las escuelas de bellas artes, porque el arte institucional fue derrumbado por las vanguardias. A partir de esto aparecen las escuelas de Artes y oficios, donde se aprendía a dominar los materiales y las técnicas y se incluyó el arte decorativo en las bellas artes.
Walter Gropius
Fue el fundador de la Bauhaus: en su obra declaraba que las vanguardias aún eran para la élite y como era seguidor de William Morris decidió seguir su mentalidad. Era alemán y director de una de las escuelas de bellas artes, cuando tomó el puesto de director en una escuela de artes y oficios y le propuso a la escuela de bellas artes donde trabajaba hacer una fusión. En este momento se declaró que la educación debía ser tanto en artes como en oficios: se debía inculcar sensibilidad por las artes y experticia en un oficio.
Directores
Walter Gropius:
Al ser fundada, el alumno estudiaba dibujo, artesanía y ciencia, y eran educados para ser transformadores y hacer la sociedad más justa (no había que dirigir el arte sólo a los burgueses, se debía diseñar e involucrar a todas las clases). El esquema de la Bauhaus fue por años: medio año de estudio básico, medio año de teórica practica (color, figura), y mucho tiempo dedicado a talleres (materiales, diferentes diseños como el gráfico e industrial), para que los alumnos experimentaran principalmente. Muchos de los profesores eran artistas muy famosos.
Hannes Meyer:
Era un arquitecto, quien reforzó los conceptos del constructivismo y del estilo, pero llevó la mentalidad a lo puro y estrictamente funcional. En su mayoría, la mentalidad de las escuelas de arte cambió: abandonaron el espíritu creativo y lo llevaron a algo más científico, estudiando las necesidades, las proporciones, etc. Meyer fue destituído en 1930, tras declararse marxista, pues ya estaba el socialismo en subida.
Mies van der Rohe:
Van der Rohe eliminó las clases de artes aplicadas y convirtió la Buahaus en una escuela de arquitectura y trató de seprarla de la política. El trabajo en la escuela era más sobre la distribución de los espacios, la funcionalidad y la necesidad. Se realizaron collages y diseños gráficos, pero muy pocos seguían con el tono político, por lo que el partido socialista cerró la Bauhaus y se tuvieron que trasladar a Berlín, donde duraron sólo un año.
Productos
Se realizaban trabajos en metal, por ejemplo Marianne Bland, quien tuvo inspiración en el cubismo y futurismo; en vidrio, en madera, como los juguetes, se hicieron muebles, textiles, collages y experimentaciones tipográficas y de diagramación. Había muchos que mezclaban materiales de distintos tipos, lo que implicaba ser experto en los diferentes materiales.
Muchos de los productos se basaron en la proporción áurea y los colores del neoplasticismo, pues había un representante del movimiento en la escuela como profesor.
Grandes maestros de la Bauhaus
-Johannes Itten: influenciado por el cubismo, representaciones del tiempo y movimiento
-Paul Klee: fundamentos básicos del color, forma y composición, cubismo y primitivismo
-Oskar Schlemmer: artes escénicas y fotografía
-Lázlo Moholy-Nagy: construcción compositiva,
-Joseph Albert; collage fotográfico, experimental en cuestiones visuales, vidrio
Vanguardias – Cubismo y Futurismo
4 noviembre
Impresionismo
“Impresión: soleil levant” fue un cuadro que Claude Monet hizo entre 1872 y 1873, y que disparó el movimiento.
Los impresionistas buscaban mostrar en las pinturas cómo se podían expresar las impresiones sensoriales. Para ellos, el arte era la expresión y perspectiva del artista, por lo que utilizaban pinceladas grandes y rápidas.
En 1863, Édouard Manet pintó “Le Déjeuner sur l’herbe”, que al contener un desnudo tan descarado, creó tal polémica que no pudo ser expuesto en el Salón oficial de París, lo que dio paso al “Salón de los Rechazados”, creando una especie de libertad cínica en los artistas.
En 1874 se realizó la primera Exposición Impresionista en el taller del fotógrafo Gaspard-Félix Tournachon (Nadar), con la participación de artistas como Cézanne, Degas, Monet, Pissarro, Renoir y Mone. Estos cuadros tenían colores muy vivos para dar una prespectiva más dramática, y dejaban espacios blancos en el lienzo para mostrar el sentimiento y cómo los artistas entendían el espacio.
Se fundó la Sociedad Anónima de pintores en 1860 planteando una formación al margen de la Escuela de Bellas Artes de París.
Imagen tomada de www.solsticecalendar.com el 13/11/2014
Posimpresionismo
Los posimpresionistas se concentraron más en la dimensión simbólica, espiritual y emocional del arte. Los colores fuertes sirvieron para expresar una perspectiva más dramática.
Fauvismo
En el salón de otoño de 1905 el crítico Louis Vauxcelles exclamó: “Este es Donatello entre las fieras”, lo que dio nombre al movimiento.
Los fauvistas utilizaban la unidad creativa de los colores para mostrar el sentimiento del artista. Los cuadros tenían colores alterados que no tenían nada que ver con la realidad.
Cubismo
En 1910, Georges Braque realizó “Violín y Candelabro”, que era una obra de pequeños cubos. Luois Varxcelles fue también quien, basándose en esta obra, bautizó el movimiento.
La primera exposición cubista se hizo en 1911 en el Salón de los Independientes de París, encabezada por Picasso y Braque.
A diferencia de la interpretación de luz y descomposición de colores vista en el Impresionismo y Puntillismo, el cubismo interpretó la naturaleza desde su aspecto formal durante el Cubismo Analítico, el cual sería su primer período.
La idea de la narrativa a través de la pintura fue lo que impulsó al cubismo a profundizar en la relación entre el tiempo y el espacio, el movimiento y el cambio. Esto puede verse en el “Guernica” de Picasso.
Imagen tomoda de en.wikipedia.org el 13/11/2014
Futurismo
El Futurismo fue fundado en Italia por Filippo Tommaso Marinetti. Publica en el periódico parisino Le Figaro el 20 de Febrero de 1909 el Manifiesto Futurista, que dio pie al movimiento.
- Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo y Gino Severini
El Futurismo proclamó el rechazo frontal al pasado y a la tradición, defendiendo un arte anticlasicista, orientado al futuro. El arte debía responder en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades.
Antono Saint’Ella tomaba como base una máquina, con sus principales atributos: fuerza, rapidez, velocidad, energía, movimiento y deshumanización.
Durante esta época, Mussolini se convirtió en el ícono de representación del movimiento Fascista, por lo que varias obras estaban inspiradas en él.
Aporte propio – cubismo
Romero Britto
Romero Britto es un artista brasileño con fuerte influencia del cubismo y del pop art. Utiliza colores llamativos para representar el positivismo y la alegría que lo rodea.
Sus obras pareces compuestas por pequeños cuadros, con líneas rectas y muy pocas veces curvas. Cada cuadro es un trabajo individual, pero en conjunto forman una figura y dan sentido a la pintura, como lo hacía también el cubismo. En algunos de sus cuadros se aprecian los planos superpuestos, también característicos del movimiento, al igual que la deformación de la figura por buscar representar principalmente lo formal de la estructura.
En su cuadro “London Teen” (1995) se demuestra, sobretodo, la deformación de la figura y la composición por cuadros.
London Teen / Tomada de britto.com
Referencias
Vanguardias – Introducción
31 / Octubre / 2014
Visita al Museo Botero
El museo de Botero nació de una donación que hizo el artista Fernando Botero a la república de Colombia, entre las cuales había tanto obras de sí mismo como de artistas internacionales. Entre estos, había muchos artistas de vanguardia.
El primer artista que puede verse en la visita al museo, es Jean-Baptiste Corot. Fue uno de los primeros en volcarse contra la academia al tratar de integrar una figura pintada en estudio, y un paisaje donde se perdía la luz en su obra “Gitana con pandereta”, en 1862. Las figuras femeninas son numerosas en la obra de Corot, que se esforzaba por mostrar los sentimientos en sus obras.
A Corot se le consideraba impresionista, ya que adoptó las sombras opacas del neoclásico para tratar de representar la naturaleza, intentando implementar luces y sombrar luminosas con mucho uso del blanco, creando una visión más realística de los efectos de la luz natural. Esto se ve en su obra “El pequeño valle” que pintó en 1871, cuyo formato obedece los modelos de los impresionistas, al igual que su fiel uso del blanco. En 1870 fue cuando la pintura impresionista nació, considerando a Corot uno de sus referentes ya que utilizaba mucho los colores brillantes propios de las obras de este artista.
“La baronesa D. con ramo de flores” es una obra en el museo hecha por Kees Van Dongen que da paso a la corriente del Fauvismo. En 1905, Louis Vauxcelles denominó el salón de otoño de parís como “Donatello entre las fieras” por los violentos usos del color. En esta obra pueden verse los colores agresivos utilizados directamente desde el tubo.
Luego, puede apreciarse en el museo la obra “Maternidad”, hecha en 1936 por Max Beckmann, que pertenece al expresionismo. El movimiento quería dar prioridad a la expresión por encima de la representación. Los expresionistas queróan representar la opresión y el terror. Beckmann se considera un representante del movimiento a pesar de rehusarse a participar en el mismo. En “Maternidad”, pueden verse líneas de contorno negras típicas del movimiento, con trazos violentos, colores ásperos y una ejecución rápida.
Luego, se puede ver en el museo la tendencia del Cubismo, con obras como “El Velador” de George Braque, 1941. Es en el 1907 cuando nace el movimiento, que Picasso pinta Les Demoiselles d’Avignon, donde se rompre totalmente con el claroscuro e intenta representar tres dimensiones en un plano bidimensional.
Las obras del cubismo eran obras geométricas, con combinaciones de colores, planos simplificados y una habituación del uso del collage.
Con “El Velador” Braque buscaba representar la vida cotidiana.
Para representar al futurismo, están obras como “Sin título” de Sonia Delauny, o “Naturaleza muerta evangélica” de Giorgio De Chirico, la cual también tendría influencias sobre el Dadaísmo.
Moviéndose hacia el surrealismo, el museo tiene una obra llamada “El disco rojo persiguiendo a la alondra”, de Joan Miró. Se puede ver el trabajo inconsciente, donde las obras se ejecutan al azar, naciendo de un trazo o una mancha. El color negro invade el primer plano de los cuadros, contrastando con los tonos suaves del fondo.
Por supuesto, al representar el surrealismo, el museo no podía quedarse sin uno de sus mayores exponentes: Salvador Dalí. “Busto retrospectivo de mujer”, realizado en 1933, ocupa una pequeña sala por sí solo. El busto es excéntrico y es un ícono clásico del movimiento surrealista. Incorpora elementos reales, incluyendo alimentos como el pan francés, y la representación femenina con gran carga de sensualidad. Además de eso pareciera tener una influencia colonial, con jeroglíficos que parecen indígenas e inclinaciones que parecieran indicar algo sobre la leyenda del Dorado.
Todas las imágenes fueron sacadas de http://www.banrepcultural.org/visitas-tematicas el 12/11/2014.
Racionalismo Productivo
28 de octubre / 2014
Siglo xix – xx
El art nouveau llega a Alemania, y comienza a organizarse la industria. Surge la Deustcher Werkbund, la cual era una asociación de arquitectos artistas e industriales que quería unir la artesanía con la industria.
También surgen nombres importantes como Peter Behrens, Richard Rimerschmid y Hermann Muthesius. Rimerschmid pensaba que no se podía alejar el diseño modernista de la tecnología, ydcaduco. Él empezó una campaña en favor de la racionalización de diseño. También era un activista a favor de la producción industrial.
Taylorismo
Se buscaba entender el capitalismo. La imprenta vuelve al diseño una disciplina donde se buscaba ganar la unidad gráfica. Fue en este momento cuando surgió Adam Smith con sus ideales de naturaleza y riqueza de las naciones. Surge, gracias a él, la idea de la mano misil de la economía, y las ideas de división del trabajo, ahorro, competencia, mano invisible, valor de uso y valor de cambio.
El valor de uso es la aptitud de un objeto para cumplir una necesidad.
El valor de cambio es el valor de la producción de dicho objeto.
Wedgwood era un precursor del taylorismo.
Frederic Taylor fue, como su nombre lo indica, el padre de este movimiento. Trajo los ideales de división de tareas específicas en las industrias, e instaurar un salario proporcional al valor que añaden los trabajadores al proceso. Buscaba la organización racional en secuencias y procesos, e ideó el cronometraje de las operaciones y el sistema de motivación para sus empleados.
Marx también fue una gran influencia para este movimiento, pues pensaba que el valor de trabajo radicaba en el tiempo de trabajo socialmente necesarios.
Fordismo
Comienza con Henry Ford, quien funda la Ford en 1903. Ford entendía que vender mucho muy barato es mejor que vender poquito muy caro. Se popularizan los productos industriales. Implementó “5 dólares al día”, que significaba pagar más a sus trabajadores para que fueran felices y trabajaran mejor. Las bonificaciones se convierten en un estímulo y la Ford triunfa como compañía, ya que mucha gente quería trabajar ahí.
Styling
Eran las modificaciones en el exterior del carro.
La General Motors la introdujo para prolongar la demanda de productos. En las líneas de producción, se le da mucha importancia a la carrocería. La estética y la eficiencia van ligadas y el diseño del carro se vuelve igual de importante que la producción para su utilidad.
Henry Dreyfus instaura en los carros la estética maquinista, que consistía de figuras geométricas y era extremadamente minimalista.
Reymond Loewy populariza el diseño como una actividad de resolución de problemas. Diseña el logo de Lucky Strike y rediseña la botella de Coca-Cola.
Se popularizan las campañas publicitarias, los créditos de consumo y la modernización de los puntos de venta.
Aporte Propio
Raymond Loewy (1893-1986) fue el más prominente de los fundadores de lo que sería en su época una nueva profesión: el diseño industrial. Hacia 1930, la maquinaria que se generaba daba paso a un cambio en cómo se veía el mundo, especialmente en Estados Unidos. Loewy decía que él y sus colegas habían creado el estilo de los americanos y, por consiguiente, del resto del mundo. Nació en Francia, donde vivió durante toda su infancia. Fue allí donde comenzó una carrera en publicidad ilustrada, la cual le ganó su fama inicial, pero su pasión siempre había estado centrada en la ingeniería. Para él, los productos americanos eran muy útiles, pero también muy feos y ofensivos, por lo que comenzó una “gran cruzada” para mejorarlos.
Para 1920, Loewy era un símbolo de progreso, buena vida, las cosas modernas y deseables.
Loewy tenía una de las mayores y más poderosas organizaciones de diseño, que hacia medio siglo ya tenía más de 200 empleados en Nueva York, Chicago, Londres y París. Su compañía diseñaba muchos métodos de transporte como locomotoras, aviones, carros, buses y trenes, lo cual llevó a Loewy a ser la figura más conocida en el estilo del streamlining.
Los estudios Loewy diseñaron el logo de Lucky Strike, el nombre de Exxon y su logo, y las decoraciones para Air Force One. También trabajaron para las mayores organizaciones de su época, como the Pennsylvania Railroad, Frigidaire, Nabisco, Greyhound, Studebaker, Shell y Coca Cola, entre otros
Imagen sacada de http://rack.0.mshcdn.com/media/ZgkyMDEzLzExLzA1Lzk4L2xvZXd5LjcxYjZhLmpwZwpwCXRodW1iCTk1MHg1MzQjCmUJanBn/cc10156e/c94/loewy.jpg el 11/11/14
Bibliografía
Porter, R. L. (1951). Never Leave Well Enough Alone. New York: The John Hopkins University Press.
Art Nouveau
(24 de octubre de 2014)
El nombre de este movimiento fue adoptado de la galería de arte , inaugurada en 1895 en París. Apareció aproximadamente en 1890 pero estalló en la Exposición Universal de París de 1900. Su fuente de inspiración fue lo natural, parecido al Arts & Crafts, pues buscaban el reencuentro con la inspiración divina y el acercamiento al origen. La diferencia con A&C: el Art Nouveau era más decorativo y comercial y logró una unificación de estilo. En esta época se crearon muchos motivos con referencia en lo natural y con inspiraciones del japonismo.
Galería L’Art Nouveau / Tomada de http://www.digischool.nl
Uno de los referentes más importantes es Georges Fouquet, un artista que utilizaba diseños de plumas, hojas y ninfas (mujeres hermosas que controlaban la naturaleza). Otro representante es Henri Toulouse-Lautrec, quien hizo afiches e ilustraciones en las que se ve la influencia del japonismo, como los bordes gruesos y la deformación de la figura humana. Arthur Mackmurdo, por su parte, contribuyó al estilo formal del AN y diseñaba a partir de la morfología de las plantas. James Abbott, tenía la galería de los pavos reales de estilo japonés.
Afiche del artista Toulouse-Lautrec / Tomada de http://www.aerolatino-geba.com.ar
El Art Nouveau tuvo una fuerte influencia del movimiento esteticista: todo lo que el movimiento producía, se denominaba y clasificaba como Art Nouveau. El movimiento educó el gusto de manufactureros, consumidores ricos y artistas en torno a apreciar las artes decorativas. Otros motivos recurrentes fueron los pavos reales y las libélulas. El Art Nouveau es considerado uno de los pocos estilos “totales”, pues estaba en la arquitectura, en el arte, en la moda, entre otras.
Labores en las que se encuentra el Art Nouveau
ILUSTRACION:
-Henri Toulouse-Lautrec: puede considerarse uno de los primeros dis. gráficos, carteles, publicidad y otros productos gráficos comerciales.
-Alphonse Mucha: el representante más destacado del cartelismo, pues fue imitado por muchos de los artistas de la época
-Walter Crane: introdujo el Japonismo, diseñador inglés
Dance de Alphonse Mucha (1898) / Tomada de yahoo
Ilustración de Walter Crane / Tomada de celebpictu.com
VIDRIO:
Era una forma de expresión subjetiva que tiene relación con el movimiento impresionista.
-Louis Comfort Tiffany: desarrolló la técnica de vitral volumétrico, principal exponente del movimiento estética en Estados Unidos
-Emile Gallé: lleva ala academia el Art Nouveau, experimenta y perfecciona la técnica de múltiples capas de vidrio.
Tiffany Blue-Gray Wisteria Table Lamp de Louis Comfort Tiffany / Tomada de http://www.polyvore.com
Nancy de Emile Gallé / Tomada de http://www.cambiaste.com
ARQUITECTURA:
-Victor Horta: no solo se encarga del diseño del edificio, también de su decoración interna (paredes, escaleras, soportes, etc) lo funcional se fusiona con lo estético
-Antoni Gaudi: no es definido siempre como Art Nouveau pero tiene unos patrones como su inspiración en la naturaleza. perfeccionista, formas orgánicas, Iglesia de la Sagrada Familia. mosaicos (Casa Batlló), mobiliario
-Hector Guimard: formas de ramas y hojas, entradas de metros, detallado
Casa Tassel de Victor Horta / Tomada de http://www.keywordpicture.com
La Sagrada Familia en Barcelona de Gaudí / Tomada de google
Estación de tren de París por Guimard / Tomada de theredlist.fr
JOYERÍA:
-René Lalique: mujeres libélula, trabajo detallado del oro esmaltado, incrustaciones de piedras, trabajo como el vitral
Joya «Doesburg verwerft» de Lalique / Tomada de http://www.musee-lalique.nl
Aporte propio
Teatro Faenza-Bogotá
El Teatro Faenza se encuentra en el centro de Bogotá en el barrio Las Nieves y fue inaugurado en 1924. En 1975 fue nombrado monumento nacional y su diseño tiene influencia italiana y del movimiento Art Nouveau.
Su fachada consiste básicamente de ladrillo y cemento blanco. El arco de la puerta principal es quizás lo que mejor representa el Art Nouveau, por su forma orgánica y natural, al igual que las figuras de la parte superior, que se asemejan a grandes hojas. La fachada muestra la concentración del movimiento en las artes decorativas y su inspiración en la naturaleza.
Teatro Faenza / Tomada de yahoo
Referencias
Castañeda Gil, I. (1993). Recuperación del teatro Faenza.
Medioevo
Comercio
La vida en las ciudades.
Las personas creían que las ciudades tenían mejores oportunidades y mayor trabajo, a pesar de que abundaban las hambrunas, las enfermedades, la peste, etc. La población crecía ni por reproducción sino por migración.
Peste Negra: Se cree que surgió en Asia y los mercaderes la trajeron a Italia, donde se esparció. En su punto más alto (1348-1350) acabó con 1/3 de la población, y detuvo casi por completo el comercio.
Las construcciones eran débiles y las calles peligrosas. La gente comúnmente moría porque la casa se les caía encima. Además de esto, como no habían acueductos ni alcantarillado, se botaban los deshechos por la ventana.
El agua era un recurso muy escaso en las ciudades, por lo que no se bañaban ni lavaban la ropa.
Rheinfelden en Suiza y Nurenberg en Alemania se convirtieron en centros especializados en comercio.
El comercio y los oficios eran las funciones más importantes de las ciudades.
La minería, el curtido de pieles, el hilado, etc., eran oficios de campesinos porque requerían mucha agua y esta no se conseguía en las ciudades.
Los burgueses eran personajes públicos que ejercían sus oficios a la vista de todos.
La navegación fue fundamental. Los artesanos y mercaderes eran personas que no podían navegar la Tierra, y embargaban con los vikingos.
GUILDAS: asociaciones de artesanos que velaban por la seguridad y los derechos de sus integrantes. Las unidades de manufactura en estas eran el maestro, el trabajador y el aprendiz.
Las carreteras eran muy malas, por lo que se usaban carruajes de dos ruedas. La plata de los peajes no se usaba para mejorar la carretera. El medio de transporte más común era el río y los canales, aunque también era muy peligroso. La navegación veneciana y escandinava movilizón la mayor parte del comercio debido a la dificultad terreste por las imposiciones de la iglesia.
Los mercaderes amasaron grandes fortunas invirtiendo en la mejora de la calidad de vida en las ciudades.
Las ferias del siglo XII y XIII atraíanb mucha gente de todo el mundo, y los países comenzaron a especializarse. En estas ya existía el crédito.
Los burgueses fueron pioneros en c omercio y economía con la popularizacióin de las ventas a crédito y los bancos comenzaron a surgir en Italia.
Las cofradían, compañías, gremios y Hansas se agruparon para dar garantía al comercio.
APORTE PROPIO
La Liga Hanseática.
La liga hanseática fue una alianza comercial entre las ciudades y sus gremios, mediante las cuales se estableció una especia de monopolio en Europa. Estos gremios se fundaron cuando los mercaderes intentaron comerciar con poblaciones cercanas al mar, especialmente zonas menos desarrolladas, cosas como madera, cera, pieles, etc, las cuales llevaban desde el interior de los países hasta los puertos.
Esta ruta de comercio comenzó a ganar mucha fama, llegando al punto de organizar ferias cuando llegaban.
La palabra Hansa viene del alemán de la época, y trabajaban para que sus miembros tuvieran privilegios especiales. Por ejemplo, los mercaderes dela colonia convencieron al rey, Enrique II en esa época en Inglaterra, para que les otorgara hasta 1157 privilegios, incluyendo el derecho para comerciar en Londres, y el no pagar pejeases.
Al pasar los años, varias ciudades se unificaron en la liga, hasta formar la colonia de mercaderes más poderosa de Londres.
Como había una división política y territorial que traía inseguridad e inestabilidad, durante los siguientes 50 años la Liga firmó acuerdos de cooperación para colaborar con las rutas hasta el Este y el Oeste.
Los hanseáticos llegaron a tener su propio ejército para protegerse en sus largas rutas de mercado y a todos los lugares a los que llegaban.
La Reina de la Liga era Lüberck, la ciudad donde todos se reunían y de donde salía la mayoría del comercio.
Varias ciudades de los comerciantes comenzaron como ciudades independientes, y luego se independizaron por medio de la negociación colectiva de la Ligala mayoría de las ciudades de Hansa bien comenzó como ciudades independientes y obtuvieron la independencia a través de la capacidad de negociación colectiva de la Liga, aunque las ciudades hanseáticas libres eran leales al emperador del Imperio Romano.
Bibliografía:
Gómez, E. C. (2007). Los comerciantes valencianos del siglo XV y sus libros de cuentas. Castellón de la Plama: Universitat Jaume I.
Fernández, E. M. (2004). Introducción a la historia de la Edad Media europea. España: Akal.
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Alimentación
COCINA EN LA EDAD MEDIA.
El Imperio Romano había adquirido costumbres y usos de los pueblos conquistados, por lo que tenían comida exótica, la cual consumían en Tricliniums: sofás donde se sentaban a comer.
SISTEMAS DE COCCIÖN Y COCINAS:
Habían cocinas palaciegas, monacales y campesinas. La cocina campesina era mala por la falta de recursos e información, y por esto los campesinos no se alimentaban bien, a diferencia de las cocinas monacales las cuales eran del monasterio.
Los hornos en ciudades como París o Roma pertenecían a los señores, que los explotaban comercialmente. En el campo, los hornos eran de la comunidad y cada uno de los aldeanos podía llevar el trigo molido para que el panadero lo horneara, pero el proceso de hacer el pan blanco era extenso y caro, por lo que este era solo para la nobleza.
MERCADOS Y PRODUCTOS:
Mercados citadinos: algunos platos de vendían preparados, como las salsas y patés, y se podían mandar asados al hornero.
Los mercados era surtidos, y tenían variedad de frutas y hortalizas, al igual que salazones, carnes ahumadas, chacinería y quesos. Se podía encontrar cordero, cabrito, ternera, buey, cerdos y aves y todo tipo de pescados que se transportaban en el “sistema arriero”.
– Los banquetes reflejaban el poder de la corte. Todos los criados de la corte estaban bajo la responsabilidad de un mayordomo.
- Banquetes magros: Relacionados con la celebración de la iglesia. No se comía carne roja.
- Banquetes grasos: Celebraciones civiles. Se consumía todo tipo de carne.
Los médico curaban con comida, y ya se conocían las dietas saludables.
APORTE PROPIO
Receta de Avenate
Ingredientes:
- 3/4 de litro de leche de almendras
- 3 cucharadas soperas de harina de avena
- Azúcar
Preparación:
Se mezcla la leche de almendras con harina y se bate hasta desleír. Esto se pone en una olla y se le añade azúcar cuando empiece a hervir, y se deja cocer a fuego muy lento durante una hora y media, removiendo de vez en cuando. Cuando la sopa esté casi convertida en puré, se retira del fuego y se mete en el refrigerador.
Se sirve como un refresco, frío, y se espolvorea azúcar por encima.
Bibliografía:
Almodóvar, M. Á. (2007). La cocina del Cid. España: Nowtilus.
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Cotextualización
Representa la caída del Imperio Romano de Occidente, pues esto implica el inicio de la división de la Tierra.
Se divide en Alta Edad Media, Baja Edad Media y las Cruzadas.
Sistema Económico y Organización
Se utilizaba el feudalismo, y las poblaciones se dividían en tres:
CASTILLO: vivían los reyes y la nobleza. Se planificaban las guerras y los torneos, y se celebraban las fiestas y las ceremonias. Consumían carne, verdura, especias y quesos. Claramente, eran la clase más alta.
MONASTERIOS: El clero, es decir la gente que hacía parte de la iglesia. Aquí se concentraba la oración, el estudio, la copia de textos sagrados, la estructuración de reglas y la agricultura. Se consumía carne, verduras y quesos.
VILLA O ALDEA: Donde vivían los siervos. Se practicaba la agricultura, la construcción y la fabricación, y se pagaban diezmos e impuestos. Los aldeanos sufrían de enfermedades y hambrunas, y sólo se consumían pan y legumbres.
– Las guerras cristianas fueron muy violentas, y arrasaron con todos los templos y esculturas romanas, lo cual trajo mucha ignorancia a la edad media. La iglesia era la única que “avanzaba” y que estudiaba el arte y la ciencia de la región.
– La Tierra estaba dividida en latifundios, es decir, agrupaciones de villas en curtis que compartían varios servicios, y las cuales eran regidas por un Villicus o alcalde. En esta organización social, las cortes impartían lo jurídico y los habitantes eran siervos, la población era rural y estos siervos a veces se consideraban propiedad del señor feudal.
COMERCIO
El comercio era muy difícil antes del siglo XII por las guerras.
Cada dominio tenía sus propias cortes compuestas por villanos y presididas por el alcalde. El señor feudal hozaba de todos los privilegios económicos sobre los siervos. Estos cobraban impuestos por todo, incluido cada hijo, y a veces los mayores se iban de la casa y deambulaban. A estos se les conocía como los errantes.
Los errantes se agrupaban y creaban sus propias villas, libres y sin señores feudales. A partir del siglo XIII, surge una forma libre de trabajo. Estas “villas nuevas” constituidas de errantes surgen de colonos más independientes del poder del señor feudal. Se buscaban los derechos del siervo sobre el uso del campo.
Los errantes eran contratados en los monasterios comohuéspedes. Se quedaban una o más noches en el monasterio y eran alimentados a cambio de hacer diferentes trabajos dentro del mismo.
Surge también una nueva clase de mercaderes que solamente comerciaban, los cuales se dividen de los artesanos que solo hacían las cosas para vender. Estos se asocian a las migraciones a centros urbanos, y eran libres. Estos artesanos libres se comienzan a especializar, y las villas nuevas se establecen en terrenos difíciles que nadie más había trabajado. Con esto, los mercaderes se vuelven muy poderosos.
APORTE PROPIO
Organización Social.
Baja Edad Media:
Durante ésta época, la pirámide social se dividía entre los puestos privilegiados, y los no privilegiados.
En la cúspide estaba, claramente, el Rey, que estaba por encima de todo y de todos, y era el elemento más importante de la sociedad feudal.
Seguían el Alto Clero, y la Alta Nobleza, aquí estaban los duques, condes, y otros vasallos que servían al rey y eran señores muy poderosos.El Bajo Clero y la Pequeña Nobleza, aunque hay historiadores que encierran estos en el mismo escalón de la pirámide, eran quienes, a su vez, servían al alto clero: los caballeros, los obispos, los abades, los hidalgos y los barones.
Seguían los campesinos libres o villanos, que estaban en las tierras del señor feudal y las trabajaban. Finalmente, se encontraban los siervos, quienes eran obligados a trabajar en la tierra donde habían nacido.
Bibliografía:
Álvarez, V. (2014). Historia de la Edad Media. Ariel.
Estándar
Diseño e invención
(17 de octubre de 2014)
Siglo XIX
En el siglo XIX el desarrollo de los materiales permitió la creación de nuevos objetos y empezó a pensar más allá de posible. La sociedad requería nuevos inventos para mejorar y desarrollar su forma y estilo de vida. Los intentos de volar, por ejemplo, fueron más allá del globo. El dirigible surgió como un medio de transporte que también servía para la guerra. Llegó el antecesor del ascensor, que era un mecanismo de movimiento vertical que funcionaba con placas que se sostenían sin descolgarse.
Dirigible Tomada de www.thehistoryforum.com
Medios de transporte y locomoción
Al principio, muchas personas se oponían a los medios de transporte modernos, pues decían que el cuerpo no estaba diseñado para altas velocidades. De todas formas formas surgieron mecanismos como la bicicleta, la locomotora, los clippers, que son barcos con más velas y mayor rapidez, y los carros.
El primer intento de bicicleta (1817) era muy elemental y de madera pero se desarrolló hasta llegar a tener una estructura de hierra, llantas de caucho con una cámara de aire (neumático) y un diseño más estable (1889). Después siguió evolucionado hasta llegar a ser lo que conocemos hoy, con cadena y pedales (1860). La primera locomotora a vapor se dio a conocer en 1804 en las minas de Pen-y-Darren en Gales pero era muy pesada y rompía los rieles. La Rocket, de Stephenson y su hijo Robert, mejoró este problema y la hizo más efectiva por su caldera miltitubular. En 1829 gana el concurso para realizar el viaje en el tramo Manchester-Liverpool. La estética y la mecánica se mejoran y evolucionan y se implementan en Norteamérica, donde las ciudades se construían a medida que las vías de la locomotora se implementaban. En este país se implementan las sillas reclinables, pues los viajes eran más prolongados y surgen los vagones-cama. Se piensa más en la comodidad de los viajeros y se implementan lámparas de gas y baños. Con el vapor se modifican también los barcos, que empezaron a usar para transportar pasajeros y hacer fiestas. Éstos se movían más en los ríos. Los carros fueron una invención muy importante en este tiempo, pues revolucionó la industria de la movilización. Tenían motores eléctricos y a gas, hasta que en 1885 Karl Benz lanzó al mercado un carro que utilizaba gasolina como combustible. El carro también se vio modificado en diferentes aspectos y hacia 1901 se empiezan a asemejar a los que conocemos hoy, con farolas, frenos y cambios en el chasís.
Hubo otros inventos más centrados en las amas de casa, como la aspiradora, la máquina coser y la de escribir, que estaba pensada para que ellas salieran de su casa a trabajar. También la cámara fotográfica es un aparato de este tiempo (1895), era plegable y portátil pero su uso era considerado complejo. Para contrarrestarlo, Kodak lanzó al mercado la cámara Brownie, cuyo mensaje era que era tan fácil de usar que hasta un niño podía. Otros inventos importantes fueron el teléfono, la bombilla y el fonógrafo.
Cámara Brownie
Tomada de www.colombia.com
Aporte propio
El Fonógrafo
En 1877, Thomas Edison grabó por primera vez sonido y estaba seguro de que iba a revolucionar la industria de la comunicación, una vez mejorara su fonógrafo. Pero él y su público se equivocaron, pues el aparato no iba a ser usado como trabajo sino para el entretenimiento. El fonógrafo fue uno de los primeros objetos de la industria que se se volvió famoso más que por tener diferentes usos, por los cambios sociales, económicos y culturales que trajo.
Los primeros fonógrafos surgieron alrededor de 1890 y se usaban principalmente para grabar voz. Primero en una baja calidad y más tarde en una más alta. La función más famosa del fonógrafo fue la reproducción de música; se realizaban conciertos y se grababan en rollos de cera, lo que permitía su reproducción. Se hizo muy popular al comienzo del siglo XX y era utilizado tanto en eventos como en las casas.
Fonógrafo de casa de Edison
Tomada de international.loc.gov
Referencias
Howland Kenney, W. (1999). Recorded Music in American Life: The Phonograph and Popular Memory, 1890-1945. New York: Oxford University Press
Arts & Crafts
(14 de octubre de 2014)
El precursor del Arts & Crafts fue el Gothic Revival. Este movimiento se encargó de retomar las tendencias del gótico y tener una devoción por el arte naturalista. Criticaban, además a Miguel Ángel por su “corrupta influencia” en el arte. Pensadores como Ruskin no estaban de acuerdo con que el arte hiciera famoso al artistas y querían que se recuperar la esencia del arte. Un ejemplo de los edificios construidos en esta época Palacio de Westminster, que era un edificio en bloque y en el techo se encontraban muchas puntas. Se implementaron de nuevo los vitrales, la decoración gótica y los nichos con estatuas, es decir, una combinación del Renacimiento y el Gótico. Del Renacimiento se tomó, también el manejo de la madera.
Palacio de Westminster
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Ruskin aseguraba que lo más importante del arte era la arquitectura, pues todo necesita un espacio para ser ubicado. Se renovaron, por eso, muchas iglesias como Notre Dame y La Sanit Chapell. Los materiales resaltaban, pues no se pintaban los interiores y se observaban productos industriales como sillas.
Hermandad Prerrafaelista
La Hermandad Prerrafaelista criticaba, en vez de a Miguel Ángel, a Rafael. Era una vanguardia, donde los artistas se pusieron de acuerdo en sus características y objetos. era realista, pues creían que era fundamental serle fiel a lo natural. De Rafael criticaban, también, la falta de autenticidad de las obras, como “Los deposorios de la Virgen”. Se basaban en cuatro principios: 1. Tener ideas genuinas para expresar. 2. Estudiar la naturaleza detalladamente para comprender cómo debe ser representada. 3. Simpatizar con todo lo que en el arte antiguo es directo, serio y proveniente del corazón, excluyendo a lo que es convencional, auto-contenido y aprendido por escrito. 4. Producir a conciencia buenas pinturas y esculturas.
Arts & Crafts
William Morris fue el principal representante de este movimiento. Sentó las bases del diseño y arte como profesión y realizó al principio renovaciones siguiendo los principios de la hermandad y Ruskin. La primicia del A&C era ir en contra de la producción industrial para valorar y usar más lo artesanal, al dejar los material tal y como son. Morris se centró en el arte decorativo en todos los campos, libros, espacios, edificcios, interiores, adornos, etc. La Casa Roja, por ejemplo, es la renovación más importante. Morris era amigo de Marx y compartía su ideología. Clamaba que el arte debía ser para todo el mundo y no sólo para las clases más altas. El A&C, sin embargo, es difícil de definir, pues combinó muchos estilos y patrones.
Casa Roja
William Morris
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Estampado típico
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Los principios de Arts & Crafts fueron: 1. El arte es para todo el mundo. 2. Disfrutar el trabajo. 3. Una reforma al diseño. Fue el primer movimiento en idealizar un cambio social, a partir de cómo las personas se expresaban y encontraban la realización personal a través de su trabajo. Sin embargo, tuvo incoherencias, pues al llegar a América, el Arts & Crafts se produjo industrialmente y perdió la ideología de Morris.
Aporte propio
William Morris – Standen House
Standen es una representación de la apreciación de Phillip Webb por las construcciones tradicionales y los materiales locales. Fue construía entre 1892 y 1894 para James y Margaret Beale y su nombre lo tomaron de una de las tres granjas que adquirieron para construirla. A través de los años se realizaron algunos cambios en el interior.
Tiene doce habitaciones en la primera planta y nueve en la segunda y está decorada con tapetes, tapicería telas y muebles de William Morris y otros ya pertenecientes a la familia. Varias de sus paredes están pintadas de blanco, como todo el techo, para contrarrestar los diseños recargados y coloridos característicos del Arts & Crafts. Tiene habitaciones que hoy en día son poco convencionales, como el cuarto para dibujo y la habitación de la mañana, que era usada por las mujeres para revisar la correspondencia y leer con buena luz la. Según los críticos, era un cuarto poco femenino para la época.
Standen
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Cuarto de dibujo
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«Morning room»
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Referencias
Poore, P. (2007). Arts & Crafts Homes and the Revival. Revista Primavera. Vol 2. Home Buyer Publications
Ciudades como vitrina comercial
(7 de octubre de 2014)
Las ciudades en esta época se empezaron a diseñar alrededor del comercio, pues se estaba desarrollando el consumo como hábito. Una de las remodelaciones más importantes fue la de París (1851), que estuvo a cargo del Barón de Haussmann. Los pobres fueron sacados de París y el centro fue el epicentro de la restauración para ser elegante, lujoso y “seguro”. Se planeó para ser mostrada en la exposición universal del 89 y además, para educar el gusto, crear un espacio de socialización, innovar y avanzar en la tecnología. El precursor de la idea de renovación fueron los showrooms, donde se mostraban los productos nuevos. Los bulevares en el siglo XVIII y XIX permitían la producción de comercio y proporcionaban espacios para transitar: grandes y anchas calles y calzadas. Esto mejoró, además la higiene, pues se canalizaron los ríos y se construyeron alcantarillados.
La ciudad fue planeada para observarla panorámicamente Tomada de yahoo
Para este tiempo aparece el precursor de la fotografía, el daguerrotipo y los pintores se vieron inspirados por lo que pasaba en las ciudades y empezaron a pintar escenas de esto y las costumbres. La ciudad incendiaba ahora una vida más pública, también por la aparición de centros de entretenimiento como el Moulin Rouge. Se empezaron a construir adicionalmente, pasajes comerciales, que eran calles cubiertas llenas de locales y tiendas. Con todos estos cambios empieza el desarrollo de la sociedad de consumo, pues lo material se vuelve elemental, se crean centros de moda, como la Galerie Lafayette, que concentraban las marcas y objetos más lujosos. Además, empiezan los caprichos de la moda y se acortan las tendencias. Los dandys, por ejemplo, eran caballeros que se preocupaban mucho por su imagen y educaban el gusto de los burgueses. En esta época la homosexualidad era socialmente aceptada.
Galerie Lafayette Tomada de yahoo
Los Dandys eran personajes muy reconocidos en la sociedad de París
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Otro aspecto que impulsó el consumo fue la publicidad, pues se colgaban carteles en toda la ciudad, surge la tipografía y se usan las luces para atraer al público. Los catálogos marcaban las tendencias y eran un incentivo para que las personas fueran a las tiendas para adquirir las prendas, ahora ya prefabricadas.
Aporte propio
Renovación de París
En 1854, Haussmann quedó impresionado con el trabajo del ingeniero Jean-Charles Alphand y su recién abierto negocio “Service des Promenades et Plantations de la Ville de Paris”. Alphand había quedado encargado en 1840 de la ciudad Bordeaux, donde fue catalogado como ingeniero de primera clase, hasta que en 1867 figuró como responsable de la realización de las vías públicas. En el periodo de 1871 a 1873, fue nombrado Director de Trabajos de París y estaba encargado de las planeaciones, los caminos, los jardines, las avenidas, entre otros. En 1878 debió controlar también todas las aguas y alcantarillados de la ciudad.
El ingeniero participó en la preparación de las exposiciones universales de París de 1867, 1878 y 1889. En la primera realizó un laberinto en los Champs-de-Mars que con una gran cantidad de vegetación, fuentes y caminos que representaban muy bien el patriotismo francés. Alphand fue Director de Trabajos hasta su muerte en 1891.
Juan-Charles Alphand
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Referencias
Tate, A. (2013). Great City Parks. USA: Taylor & Francis.
Historia del Diseño 
